El Teatro Lope de Vega de Madrid, situado en el corazón de la Gran Vía, acogerá durante 3 semanas a ANGEL CORELLA y al Corella Ballet Castilla y León en lo que será sin dudas el acontecimiento cultural del verano.
Del 3 al 22 de agosto Madrid vivirá esta oportunidad única: uno de los mejores bailarines del mundo acompañado por bailarines solistas y una gran compañía, en uno de los mejores escenarios de la ciudad.
El genial bailarín presentará 3 programas, incluyendo lo mejor del repertorio de la compañía además de estrenos en España.
El Corella Ballet Castilla y León es la única compañía de danza clásica de España. Desde su creación en 2008 se ha presentado en los mejores escenarios del mundo. Su último éxito internacional se celebró en 2010 en el City Center de Nueva York.
PROGRAMA I del 3 al 8 de agosto:
“STRING SEXTET”
Coreografía: Ángel Corella
Música: Peter Ilyitch Tchaikovsky (Sexteto de Cuerda “Souvenir de Florencia” Op. 70, 1892)
Iluminación: Luis Perdiguero
Duración: 21’ 24” Estreno Internacional en el Festival de Peralada Julio 2009
El único sexteto de cuerda compuesto por Tchaikovsky es una música rebosante de melodías, armonías y encantadores ritmos, inspirados en la bella ciudad de Florencia. La partitura es alegre y vigorosa, un cúmulo de energía que ha servido de inspiración a Ángel Corella para realizar su primera creación coreográfica para el Corella Ballet.
Esta obra viene estructurada en cuatro movimientos. En el primero, el coreógrafo introduce al espectador en Florencia, para hacerle partícipe de las excelencias de una ciudad enriquecida por su fascinante historia. El segundo movimiento muestra, a través del contraste entre el devenir de lo cotidiano, la hermosura y sensualidad que la reviste. En el Tercero, el visitante se siente rodeado por la vivaz e impetuosa alegría que contagian sus habitantes; aquél, completamente imbuido por esa vertiginosa euforia, parte de la ciudad con la sensación de haber saboreado su hechizo intemporal.
La pieza aúna la técnica depurada de los varones con la delicadeza y elegancia de las bailarinas, conformando una obra llena de encanto y armonía, que se quedará en la memoria como un souvenir de la encantadora ciudad italiana.
“VIII”
Coreografía © Christopher Wheeldon
Música: Benjamin Britten (Variaciones sobre un tema de Frank Bridge,Op. 10)
Vestuario: Jean-Marc Puissant
Diseño de Iluminación: Martin Gebhardt
Reposición de la coreografía: Ángel Corella
Duración:30’
Producción del Ballet de Hamburgo
Estrenado por el Ballet de Hamburgo, el 1 de julio, 2001
Coreografía inspirada en el drama histórico que provocó el repudio de Enrique VIII hacia su primera esposa, Catalina de Aragón, a favor de Ana Bolena; quien se convertiría en su segunda mujer y que fracasaría, al igual que la primera, -sólo que de forma más dramática-, en dar al rey un heredero varón al trono de Inglaterra.
Este triángulo emocional sirvió de base a Christopher Wheeldon para la realización de una coreografía que explota las características psicológicas de los personajes hasta transformar a los bailarines en actores sobre el escenario.
En el trabajo de Wheeldon, los espacios, gestos y recursos escénicos adquieren mayor importancia y se armonizan gracias a la vibrante partitura musical firmada por Britten. Toda la composición viene a subrayar la personalidad de los tres protagonistas, y convierte a este ballet en uno de los más impactantes del repertorio contemporáneo.
"FANCY FREE”
Coreografía: Jerome Robbins
Música: Leonard Bernstein (Por acuerdo con Boosey & Hawkes, Inc. y Monge y Boceta Asociados Musicales S.L.). Canción Big Stuff compuesta por Dee Dee Bridgewater. Grabación dirigida por Glen Roven.
Escenografía: Oliver Smith
Vestuario: Kermit Love
Diseño Original de Iluminación: Ronald Bates
Reposición de la coreografía: Judith Fugate
Duración: 39 minutos
Representación autorizada por the Robbins Rights Trust.
Jerome Robbins creó Fancy Free durante una larga gira, costa a costa, con el American Ballet Theatre; durante este viaje, mantuvo una estrecha correspondencia con un joven compositor, por entonces aún desconocido, llamado Leonard Berstein. El estreno de este ballet en el Metropolitan de Nueva York, en abril de 1944, fue todo un acontecimiento, pues hizo emerger a jóvenes talentos del mundo de la danza, la coreografía, la música y la escenografía. Su éxito fue tal que, poco después, Fancy Free se convertiría en el musical “On the Town”, que más tarde popularizaría en el cine Gene Kelly.
El argumento de partida de la historia es simple: tres marineros recalan en Nueva York en un caluroso día de verano. Aprovechando un permiso, conocen a dos chicas y se inicia una competición entre ellos para ganarse su favor. La pugna en el bar sirve para que los bailarines pongan en juego y exhiban todo su talento, cada uno con variaciones específicas y tan espectaculares que han hecho de este ballet uno de los más aclamados de la obra de de Robbins.
PROGRAMA 2 del 10 al 15 de agosto:
"BRUCH VIOLIN CONCIERTO Nº 1”
Coreografía: Clark Tippet
Música: Max Bruch (Concierto nº 1 en sol menor para Violín, Op 26 )
Diseño Original de Vestuario: Dain Marcus
Confección del Vestuario: Cornejo
Diseño Original de Iluminación: Jennifer Tipton
Reposición de la Coreografía a cargo de: David Richardson
Duración: 24’
Creado para el ABT, este trabajo neo-clásico combina escrituras de dramática delicadeza, complejas pautas y duetos atléticamente espectaculares. Danza para ocho bailarines principales y dieciséis de cuerpo de baile, Bruch Violin Concerto No. 1 tuvo su estreno mundial en el Orange County Performing Arts Center en Costa Mesa, California, el primero de diciembre de 1987. Fue el segundo ballet que Tippet creó para el ABT, después de Enough Said en 1986.
En esta obra, Tippet trabajó dentro de las tradiciones clásicas del ballet; los hombres son principalmente portores, pero la asociación en sí misma no es en absoluto tradicional. Es como si Tippet hubiera experimentado con todas las posibles variaciones que pueden establecerse entre el cuerpo de un hombre, el de una bailarina y un hombro como elemento de apoyo.
“WE GOT IT GOOD”
Coreografía: Stanton Welch
Música: Duke Ellington y Billy Strayhorn
Duración: 5’
Intérprete: Ángel Corella
Divertida y sorprendente coreografía, llena de complicidad hacia el espectador, creada por Stanton Welch especialmente para Ángel Corella.
Con música de Duke Ellington y Billy Strayhorn, este solo de jazz se estrenó en 2006 dentro de la gira “Kings of the Dance”. La obra es considerablemente difícil, pues tras la sucesión de movimientos, en apariencia desenfadados, se esconde una gran exigencia que implica un constante autocontrol del cuerpo; de ahí que esta pieza ponga en juego y muestre todas las virtudes artísticas del bailarín tanto a nivel interpretativo como técnico.
Este triángulo emocional sirvió de base a Christopher Wheeldon para la realización de una coreografía que explota las características psicológicas de los personajes hasta transformar a los bailarines en actores sobre el escenario.
En el trabajo de Wheeldon, los espacios, gestos y recursos escénicos adquieren mayor importancia y se armonizan gracias a la vibrante partitura musical firmada por Britten. Toda la composición viene a subrayar la personalidad de los tres protagonistas, y convierte a este ballet en uno de los más impactantes del repertorio contemporáneo.
“CLEAR”
Coreografía:Stanton Welch
Música: Johann Sebastián Bach (1685-1750). Concierto para Violín y Oboe en do menor, y primer y segundo movimiento del Concierto para violín en sol menor.
Vestuario:Michael Kors for Celine
Iluminación: Lisa Pinkham
Reposición de la Coreografía a cargo de: Steven Woodgate
Duración: 20’
Clear fue el primer trabajo que Stanton Welch realizó para el American Ballet Theatre. Se estrenó el 25 de octubre de 2001, en el City Center de Nueva York, con Julie Kent, Ángel Corella, Maxim Belotserkovsky y Marcelo Gomes.
La inspiración para la creación de Clear surgió tras el dramático atentado del 11/S. Ha sido una obra ampliamente alabada por la crítica debido a la danza explosiva y la fiereza exhibida por los bailarines masculinos, desprendiendo una energía inagotable impulsada por la presencia de una única bailarina en el reparto. Tras una exhuberancia, casi agresiva, se entrevé una tristeza que sólo el reconfortante abrazo de amor del final es capaz de disipar.
Aún valiéndose de la técnica clásica, Clear no puede calificarse como un trabajo de estilo clásico, incluso aunque éste explore con profundidad el idioma de la danza académica que Welch sabe dominar. Clear posee una apariencia contemporánea, pero no tan consciente de sí misma como puede observarse en otros trabajos vistos en Ballets o en coreografías de danza moderna. Esta naturaleza abarca la forma en la que Welch ha unido un vertiginoso trabajo de movimientos con el delicado sonido del violín y del oboe de la obra de Bach.
“IN THE UPPER ROOM”
Coreografía: Twyla Tharp
Música: Philip Glass
Música producida por: Kurt Munkacsi
Diseño original de Vestuario: Norma Kamali
Diseño Original de Iluminación: Jennifer Tipton
Reposición de la Coreografía a cargo de: Keith Roberts
Duración: 40’
Estrenada el 28 de agosto de 1986. Pieza creada para el American Ballet Theatre.
In the Upper Room fue concebida a regañadientes cuando Twyla Tharp pidió a Philip Glass que compusiera una partitura para un nuevo baile. En ese momento, Glass, sobrecargado de trabajo, intentó rechazarlo, pero la coreógrafa respondió con una modesta súplica: “Mira, Phil, un poco de música cada día después del desayuno”. El ballet que resultó de esa petición es, hoy por hoy, uno de los más aclamados de Tharp.
Al comienzo de la obra, cada una de las dos mujeres, a quienes Tharp compara con guardianas de un templo chino, alza el pie y, plegándolo por detrás de la espalda en un gracioso arco, lo atrapa después con el brazo opuesto. Este motivo de apertura expresa acción e instante, una pérdida de equilibrio y, finalmente, una suave recuperación, representando la base del ballet entero, su raíz, coreografía que se revela tan hipnótica como la partitura de Glass.
Con cada avance de la historia el escenario se expande y se retrae en medio de un calidoscopio de colores en blanco y rojo, generados por el vestuario diseñado por Norma Kamali. Con este torbellino, Tharp transmite tanto la frenética desesperación como la ternura. Dos mujeres clavan sus puntas rojas en el suelo como agujas ansiosas. Tres parejas, vestidas con holgados pantalones, saltan en torno al escenario en afiladas y geométricas pautas.
In the Upper Room es una sucesión de pequeñas explosiones. Cada baile erupciona y las partículas se reagrupan para formar algo todavía más asombroso, hasta que Tharp ensambla todas las piezas en un emocionante final; cuando las dos mujeres, como perros guardines, regresan para dejar caer sus manos cerradas en puños con una expresividad deslumbrante que hace bajar el telón.
PROGRAMA 3 del 17 al 22 de agosto:
SUITE DE RAYMONDA
Coreografía original: Marius Petipá y A. Gorsky
Música: Alexandre Glazunov
Iluminación: Luís Perdiguero
Duración: 30’
El Ballet completo en tres actos fue estrenado en 1898 en el Mariinsky de San Petersburgo. Fue la primera partitura para ballet realizada por el músico ruso, Alexander Glazunov, y constituye una de las más delicadas en la coreografía del siglo XIX. Tanto Petipá como el director de los Teatros Imperiales, Vsevolojski, buscaban con la colaboración de Glazunov renovar la excelencia que tuvo el coreógrafo con Tchaikovski. Lo consiguieron con “Raymonda”, que resume perfectamente la estética de Petipá y la entrona con la narración teatral.
La acción transcurre en la Edad Media. Ambientada en la Corte Húngara, nos cuenta la historia de Raymonda, una mujer cortejada por dos caballeros de distintas religiones: la musulmana y la cristiana en una época donde las cruzadas están en pleno apogeo.
Esta suite incluye las danzas de carácter basadas en el folclore húngaro; la característica más destacada de este ballet.
FOR 4
Coreografía: © Christopher Wheeldon.
Música: Franz Schubert “La Muerte y la Doncella”
Diseño de Iluminación y Vestuario: Jean-Marc Puissant
Reposición de la coreografía: Ángel Corella
Duración: 20'
Pieza para cuatro bailarines creada por Christopher Wheeldon especialmente para el espectáculo “Los Reyes de la Danza”, del que forma parte Ángel Corella.
Obra coral, pero enriquecida con variaciones individuales concebidas con la intención de que cada bailarín pueda mostrar su personalidad. En este cuarteto, cada intérprete transmite su propia energía y disciplina, pero la coreografía muestra una unidad, una integración capaz de hacer confluir a bailarines de muy distintas características en una exhibición de técnica, interpretación y virtuosismo.
SOLEÁ PAS DE DEUX
Coreografía: María Pagés
Música: Rubén Lebaniegos (Cante: Ana Ramón; Guitarra: Rubén Lebaniegos; Percusión: Chema Uriarte; Zapateado: María Pagés)
Iluminación: Luís Perdiguero
Duración: 7’40”
Estreno Internacional en el New York City Center el 17 de marzo de 2010
“Cuando Angel me pidió que creara un Paso a Dos para él y para Carmen enseguida entendí que quería que fuera una Soleá la que dialogara con la Danza Clásica; su compás, su cante, las melodías creadas por Rubén y su final por Bulerías convertían a esta experiencia en un serio juego.
El proceso creativo lo he planteado de un modo parecido al que seguimos en la creación de una coreografía flamenca, empezando por la composición de su música original para el montaje. Encuentro sumamente interesante este camino de colaboración entre el Flamenco y la Danza Clásica con un enorme potencial para enriquecerse mutuamente.
El juego es un ingrediente fundamental de este trabajo, tan fundamental y necesario como lo puede ser en la relación de dos hermanos que, además, comparten su dedicación y amor por la Danza”.
DGV: DANSE À GRAND VITESSE
Coreografía: © Christopher Wheeldon
Música: Michael Nyman (MGV: Musique à Grande Vitesse. 1st Region, 2nd Region, 3rd Region, 4th Region, 5th Region)
Diseño de Escenografía y Vestuario: Jean-Marc Puissant
Iluminación: Jennifer Tipton
Repositor de la coreografía: Jason Fowler.
Duración: 26’ 30”
Estrenado por el Royal Ballet.
Nominado a los Premios Oliver (2006)
Con agradecimiento especial al Royal Ballet, Royal Opera House, Covent Garden, Londres por su permiso para representar DGV.
En 1993 la compañía francesa TGV encargó al compositor Michael Nyman una obra con la que conmemorar el viaje inaugural de la línea del tren alta velocidad que unía las ciudades de Lille y París. El resultado fue: MGV: Musique à grand vitesse, una obra fascinante, de 26 minutos de duración, caracterizada por unos ritmos vibrantes e impulsivos que evocaban la idea del viaje como diversión y como suspensión del tiempo entre el intercambio de destinos.
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