30 jun. 2009

Ha Fallecido Pina Bausch

Fotografia picture-alliance / dpa


La coreógrafa alemana Pina Bausch, a la que hace apenas cinco días se le había diagnosticado un cáncer, ha muerto hoy a los 68 años de edad, según informó el Wuppertal Tanzatheater, la compañía que fundó en 1973 y con la que ha venido desarrollando buena parte de su carrera.
Os dejamos ésta crónica de Cristina Marinero para elmundo.es:

Pina Bausch, la última gran creadora de la danza

Es uno de los pilares sobre los que se apoya una de las corrientes más importantes de la danza del siglo XX, la expresionista alemana. Y digo "es" porque creadores como ella, con criaturas coreográficas tan importantes como 'Café Müller', 'Ifigenia en Tauride', 'Tanzabend II', 'Nelken', 'La consagración de la primavera' o 'Palermo Palermo' no se van, permanecen, aunque ahora lloremos la ausencia de su persona. 

Pina Bausch tuvo siempre, y más en la última década, una imagen corporal frágil, delgada y afilada como las figuras de El Greco, pintor a quien, curiosamente, últimamente se ha identificado como gran inspirador de los primeros expresionistas alemanes.

Nacida en plena II Guerra Mundial, hija de un tabernero de la localidad de Solingen (estado de Renania del Norte, el más occidental del país), Pina Bausch llegó a la danza tarde, con 15 años, pero con unas condiciones físicas marcadas por su agilidad y flexibilidad. Su maestro fue uno de los iconos de la nueva danza del siglo XX, Kurt Joos (1901-1979), autor de la trascendental coreografía 'The Green Table' (1932), quien siguiendo las doctrinas difundidas por su mentor, Rudolf von Laban (1879-1958), enseñó a la adolescente Filipina (su verdadero nombre) a bailar y a pensar, algo absolutamente unido cuando se habla de la escuela Laban.
Para este teórico, coreógrafo y pedagogo húngaro, creador de un sistema de notación de danza denominado con su apellido (y lo relaciono por ser aplicable a nuestra protagonista) el movimiento es también pensamiento, emoción, acción y expresión. 
En sus propias palabras: "Todo acto es danza. Todo ser es movimiento. El sentido de la danza le permite al hombre ver con claridad la naturaleza rítmica de los acontecimientos naturales y es el medio para convertir el ritmo natural en un buen orden artístico-cultural".

Pina Bausch creció rodeada de estas ideas y continuaron en el tuétano de su personal mundo coreográfico, a pesar de su viaje al otro lado del charco, a Nueva York. Gracias a una beca pudo estudiar en la prestigiosa Juilliard School, donde en 1951 se había creado la Dance Division, verdadero foco de exploración de la danza moderna, con Martha Graham entre sus primeros profesores, y que en 2006, la honró nombrándola Doctor Honoris Causa.

Su paso por el New American Ballet del Metropolitan de Nueva York (no confundir con el American Ballet Theatre), le proporcionó la oportunidad de iniciarse como coreógrafa, labor que prosiguió a su regreso a Alemania en 1962, donde bailó con el Folkwang Ballet, compañía en la que presentó sus primeras creaciones en 1968. Sin embargo, fue decisiva su toma de posesión como directora del Tanztheater de Wuppertal, en 1973, para ahondar, explorar y dar a luz trabajos con su personal marchamo, elegancia y profundidad.

Al principio fue muy oscura en sus obras (como recordaba en una de sus visitas a Madrid la española Nazaret Panadero, una de sus primeras bailarinas durante décadas), y lo pudimos apreciar con la creación que le marcó para siempre, 'Cafe Müller' (1978). Parece premonitorio que en septiembre pasado se volviera a subir al escenario del Teatro del Liceo para interpretar la primera parte de este ballet, único que continuaba bailando cuando se reponía. Junto a esta magna obra sobre música de Purcell, la compañía también puso en escena en Barcelona su versión de 'La consagración de la primavera', de Stravinsky, ballet que continuará en los anales de la historia de la danza por su maestría.

Con 'Café Müller' nos bautizamos muchos en la danza de Pina Bausch, en aquella época de los ochenta en la que nuestra particular "movida" era tomar tres o cuatro horas de clases al día de ballet, danza española o jota con el recordado maestro Pedro Azorín, una vez acabados los estudios oficiales en el Real Conservatorio del Teatro Real, y después de la mañana en la universidad.

Fue en 1986, durante el Festival de Otoño que dirigía Pilar Yzaguirre, en el Teatro de la Zarzuela. Los adolescentes que tomábamos clase en los antiguos estudios Amor de Dios, bolsa al hombro, caminábamos, sin conocernos, hacia el teatro de la calle Jovellanos para intentar encontrar entrada. Ya saben, eran tiempos sin internet, ni venta telefónica. Y en la taquilla no quedaban ni de gallinero. Frustrados, pero con ganas de no perdernos esa obra que refleja el miedo de la niña Bausch ante el horror de la guerra, escondiéndose entre las mesas y sillas de la taberna de su padre, nos quedamos a esperar (algo, algún atisbo de dejarnos pasar) en el porche interior de La Zarzuela. Y el personal, muy amable, comprendiendo nuestras ganas de ver a una de las artistas esenciales del siglo XX, nos invitó a pasar al hall donde está la televisión de circuito interno.

Así vimos 'Café Müller', en la pequeña pantalla, destrozándonos el cuello (la televisión está en alto), pero sin rechistar: la visión de la sacerdotisa de la danza, expresándose a través del movimiento con su largo camisón blanco y su imagen fantasmagórica, esencial en este drama sobre la incomunicación, nos sobrecogió al gran grupo allí congregado. La carne de gallina, claro. Por eso cuando dos décadas después Pina Bausch se presentó en el Teatro Real con Nelken (ballet que siguió en programación a su versión dancístico-operística de 'Ifigenia' en Tauride) y el público de abono de ópera se rebeló ante su "osadía" juguetona y colorista, "los de la danza" aplaudimos a rabiar, con ganas y alegría, saboreando a quien pudo llevar al movimiento a los elevados altares, con el ballet más profundo que imaginemos, y que lo sabe luego deslizar hasta el cuarto de los juguetes con la mejor de las sonrisas y el ritmo más jocoso.

Gemma Morado

Titulada en danza española y flamenco y en ballet clásico por el Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid.
Emergente e inquieta figura del panorama dancístico actual de nuestro país. En su trayectoria interpretativa, dilatada a lo largo de quince años, figuran algunas de las compañías más destacadas de la danza española y el flamenco. El Ballet Nacional de España, la Compañía de Joaquín Cortés, El Nuevo Ballet Español donde ha bailado como solista, y las agrupaciones de Antonio Márquez y Rafael Amargo, entre otras, algunos ejemplos.

Como coreógrafa debutó con un primer premio: el que obtuvo en la edición de 2003 del prestigioso Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid. La obra galardonada, El yerro de Fátum, aparecía entonces como el inicio de una trayectoria creativa que dura hasta nuestros días, y que se enmarca en su propia agrupación `Siempre en compañía´.

Otros trabajos estrenados al frente de su agrupación son ¿Bailas o te escondes? y Caminos. Gemma Morado compagina su trabajo al frente de su compañía con la intervención en otras agrupaciones como primera bailarina.

29 jun. 2009

Danza en el Festival Internacional de Benicassim


Como cada año el Festival Internacional de Benicassim cuenta con una programación de Danza paralela a los conciertos.
La Cita con la Danza tendrá lugar a partir del día 8 de julio hasta el 19, en la Playa del Torreón y será gratis.
Este año pasarán por el escenario del Torreón compañías como Chanta la Mui, Fiona Lummis, La Companyia, “POE” de estilo contemporáneo para jóvenes bailarines de Juan Borona y una muestra de las últimas creaciones de la Jove Gerard, Ballet Company, Catalana de Dansa, Entre tres Danza, CÍA María Carbonell, Lanonima Imperial, Ballet de Santa Coloma de Gramanet, Retahíla Ballet, Domus del Karo, Ballet Español de Murcia, Mar Gómez CIA, y de artistas de la Rambert Dance Company, National Dance Company of Wales, English National Ballet, la Compañía Nacional de Danza 2, junto con jóvenes intérpretes premiados en certámenes nacionales e internacionales.
En cuanto lo sepamos os indicaremos los horarios.
No os lo perdais!

27 jun. 2009

Baryshnikov vuelve a España

Las Naves del Español acogen, entre los días 2 y 5 de julio, al reconocido bailarín y coreógrafo Mikhail Baryshnikov que presenta cuatro piezas de danza contemporánea: Valse-fantasie (2009), Solo for Two (2008), Years later (2007) y Place (2007).

El bailarín Baryshnikov tiene 61 años pero aparenta la misma energía con la que "turbinó" su mítica pirueta de once giros, fundó dos compañías y baila desde hace tres meses por toda Europa, aunque confiesa que cada año tiene que dedicar más tiempo a "templar" su "afinado" cuerpo.

Sonriente y relajado, y vestido con una camisa negra y un pantalón blanco, Baryshnikov se reunió ayer en Madrid con un grupo de periodistas tres días antes de actuar en Tenerife y seis antes de hacerlo en las Naves del Matadero del Español con el programa "Tres solos y un dúo", piezas que han hecho para él Alexei Ratmansky, Benjamin Millepied y Mats Ek, esposo de Ana Laguna, con quien compartirá escenario.

"Ésa de la energía es una cuestión complicada -ríe-. No sé de dónde viene pero creo que en realidad procede de que los coreógrafos hacen piezas especialmente para mí, eso ayuda muchísimo", especula Baryshnikhov (Riga, Lituania) de quien dicen que es el mejor bailarín del mundo.

Le "encanta" bailar en España, a donde volverá "siempre" que le inviten, y detalla que en esta ocasión ha elegido "Tres Solos y un Dúo" porque es un "inusual formato" de "danza-teatro" que le interesa mucho, un espectáculo "muy personal e íntimo", conectado más con la dramaturgia, que había abandonado durante años, que con la danza pura.

El artista interpretará de nuevo con Ana Laguna, como hiciera el año pasado, el dueto "Place" y la "acompañará" en el "Solo for two", ambas piezas de Ek.

De Alexei Ratmansky, que fue nombrado director artístico del Ballet Bolshoi en 2004 y ahora vive "en nuestra parte del mundo", donde se ha convertido en el coreógrafo residente del American Ballet Theater, bailará "Valse Fantasie", estrenada en Riga el pasado 2 de mayo.

Se da la circunstancia de que tras la "deserción" de Baryshnikov en 1974 -durante una gira en Canadá- y su petición de asilo en Estados Unidos, Ratmansky y el resto de alumnos del Bolshoi tuvieron prohibido ni siquiera pronunciar su nombre.

Del francés Benjamin Millepied interpretará "Years Later", una combinación de vídeo y danza que es una nueva versión del trabajo que se estrenó en 2006.

Él, explica, no sale a la calle "aullando" en busca de nuevos coreógrafos, porque "no son cosas que pueden forzarse" y son "gente muy ocupada", por eso se tarda "muchos años" en ensamblar piezas tan "perfectas" como las de esta gira.

Anuncia que no volverá a actuar en grandes teatros, que sólo le interesan los "pequeños" espacios, en los que el público pueda estar muy cerca de ellos, y precisa que su "única filosofía" es "conectar la cabeza y el corazón con la audiencia".

Sobre el "diálogo" que mantiene con su cuerpo para preservar su asombrosa resistencia, asegura que su "lucha" con él empieza "desde muy temprano, desde el mismo cuarto de baño" y aunque no se queja, porque en su severa disciplina de estudio, gimnasio y fisioterapia "hay gente muy buena" cuidándole, cada año debe dedicar "más tiempo" a "engrasar" su "maquinaria" y a garantizar la firmeza de sus pasos en el escenario.

Cree que la clave es "descansar mucho para estar fresco", estar completamente seguro de que las lesiones "han curado bien" y "afinar" tanto lo mental como lo físico, una "rutina de vida" como otros hacen deporte o juegan al bingo.

El artista opina que la decisión del nonagenario coreógrafo Merce Cunningham de que su compañía se disuelva dos años después de su muerte, es "arriesgada y valiente" y que su "extraordinario" "autocontrol" sobre el ego es un "ejemplo muy inspirador para todos".

Baryshnikov, alumno de uno de los grandes mitos de la danza, Alexander Pushkin, formó parte del American Ballet Theatre y del New York City Ballet, creó la White Oak Dance Project y, después de doce años, "demasiado tiempo", decidió disolverla y formar hace tres años el Baryshnikov Arts Center, una "ventana" al talento de jóvenes de todo el mundo en el que ha bailado la española María Pagés y "ha colaborado -detalla- el Gobierno catalán".

Fuente: telecinco.es

LUGAR: Las Naves el Matadero, Madrid (Paseo de la Chopera nº 14)
CÓMO LLEGAR:
Metro: Legazpi (líneas 3 y 6)
Autobuses EMT: 6, 8, 18, 19, 45, 78 y 148
HORARIO: 20:30h
DURACIÓN: 1'20'' (con 20 min. de intermedio)
PRECIO: 30 euros
VENTA DE ENTRADAS:
Teléfono: 902 10 12 12
telentrada.es

25 jun. 2009

Próxima Temporada de Los Teatros del Canal

Los Teatros del Canal presentaron ayer "un anticipo" de su próxima temporada, consistente en 21 espectáculos programados entre el 4 de julio y el 31 de octubre, entre ellos conciertos de Russian Red y Pereza, y las reposiciones de "2 you maestro" de Víctor Ullate y la "Carmen" de Calixto Bieito.

Su director, Albert Boadella, señaló que la programación completa de este teatro -en sus sedes de Madrid y San Lorenzo de El Escorial- se presentará en octubre y que seguirá las mismas líneas que desde su apertura, el pasado mes de febrero, para dar cabida a festivales como Teatralia o a la Summa Flamenca y otros contenidos "de calidad y plural", como es "obligado" en un coliseo público.

Su pretensión, dijo, es que "ya que no se puede conseguir rentabilidad económica, se consiga la social" en este teatro, cuya titularidad corresponde a la Comunidad de Madrid.

La programación de los Teatros comenzará en San Lorenzo de El Escorial el 4 de julio, con la Novena Sinfonía de Beethoven. En ese auditorio, "el transgresor" Calixto Bieito repondrá el 24 y 26 de julio su "inédita" visión de la "Carmen" de Bizet, que no había sido representada desde que se estrenó en 1999 en el Festival de Perelada.

En esta ocasión no serán Angela Georghiu y Roberto Alagna los intérpretes, sino "interesantes jóvenes" como Anita Ravellishvilli y Jorge de León, dirigidos por Alejandro Posada.

La compañía de María Pagés interpretará el día 11 "Flamenco Republic"; el grupo japonés Kodo mostrará su arte con el tambor "taiko" el 5 y 6 de julio; la formación de ballet de Ángel Corella, bailará, el 13 y 14 de julio; y la compañía nacional sueca, la Stockholm 59º North, recorrerá el 7 de agosto algunas de sus más importantes creaciones de sus 225 años de historia.

En su sede de Madrid, las representaciones comenzarán el 20 de agosto con el estreno del nuevo espectáculo de Rafael Amargo, "La difícil sencillez del duende", que "reinterpreta" una conferencia que dio García Lorca sobre arte y que dirigirá Pilar Távora.

El Ballet Víctor Ullate de la Comunidad de Madrid celebra sus veinte años de compañía con la reposición, desde el 25 de septiembre, de "2 you maestro", la obra con la que fue homenajeado el pasado diciembre en el Teatro Real de Madrid por los 20 años de su compañía.

En teatro se recupera el montaje de Helena Pimenta y Ur Teatro de "El sueño de una noche de verano" -desde el 23 de septiembre-; y en ópera se estrenará, el 11 de octubre, "La vera Costanza", de Haydn, un proyecto pedagógico del Teatro Real que interpretarán los ganadores de la XXXIX edición del Concurso Internacional Toti dal Monte de Treviso, dirigidos por Jesús López Cobos.

Los Teatros del Canal han programado por primera vez los "Conciertos Retrato", una colaboración con las salas Galileo Clamores, que contarán con Russian Red, Sidecars, Miss Cafeina y Pereza.

Fuente: EFE

Miguel Ángel Berna presenta Goya en Zaragoza

El ser humano tiene todo controlado salvo los sueños. Partiendo de esa premisa y con las pinturas de Goya como fondo, Miguel Ángel Berna ha planteado su nuevo espectáculo Goya. El sueño de la razón produce monstruos, que desde hoy y hasta el 5 de julio presenta en el Teatro Principal.

La obra recrea el universo del pintor de Fuendetodos a través de la particular mirada del bailarín zaragozano y de un guión que recorre algunas de sus producciones más representativas, como son los Caprichos o los Desastres de la guerra. El montaje se estructura mediante un prólogo y siete escenas en un recorrido onírico por los sueños, pesadillas e iluminaciones de Goya, que dieron lugar a los cuadros que le convertirían en uno de los pintores más singulares de la historia del arte. El bailarín se inspira en el ´capricho número 43´ con el que pretende "despertar conciencias".

Estrenado hace casi un año durante la Expo, el espectáculo tuvo una gran acogida. Berna considera que cada actuación es diferente por eso, asegura que "al día siguiente ya existe una evolución" de la obra. En cuanto a la preparación, el bailarín ha contado con un gran equipo, desde la dirección de Luis Olmos al bailarín Chevi Mudaray, Premio Nacional de Danza "y otros muchos profesionales" para la creación de la música y la escenografía.

PIEZA COMPLEJA

"Queríamos ver cómo abordábamos a Goya a través de las palabras y teniendo en cuenta la cultura aragonesa", reconoce Berna, quien asegura que "quizá hubiera sido más fácil desde la escuela bolera", sin embargo decidió tomar "las pinturas negras, los Desatres, obras en las que Goya deja mensaje. La base es el Capricho número 43, que el de Fuendetodos titula El sueño de la razón produce monstruos, a partir del cual ha creado quizá la "coreografía más compleja, más intensa de todas pese a que su duración es corta".

Se trata de un espectáculo "onírico" sobre los sueños, que lleva a la reflexión. Y es que "el ser humano lo tiene todo controlado sin embargo, cuando uno duerme, los sueños no se controlan", surgen entonces esos fantasmas, esos monstruos surrealistas que muestran "la psicología humana".

Goya pintó sus obras hace 200 años pero "muchos de los hechos que pintó pasan hoy en día", así que Berna trata de enviar un mensaje porque "el arte está para eso, para mirar hacia dentro". El bailarín considera al de Fuendetodos como "un maestro" que quiere "despertar la conciencia porque el ser humano siempre mira hacia fuera" y eso "nos pasa también a los aragoneses". El objetivo es, de esta manera "reflexionar y volver a las raíces".

Berna explica que es su espectáculo más complejo y quizá también el más arriesgado, influido "por los artistas que tienes alrededor" y es que le gusta "investigar en nuevos materiales" (utiliza unas castañuelas de hierro) pero demostrando "que tienen utilidad".

ARAGONÉS DEL AÑO

Acaba de ser elegido con los votos de los lectores de EL PERIÓDICO DE ARAGÓN como Aragonés del Año en la Cultura y esos mismos son los que casi han agotado las entradas para el espectáculo. "Para mí es un orgullo compartir el premio con el público", reconoce. Por eso, asegura que la compañía tiene "en este momento que mirar hacia fuera puesto que el interior ya está hecho", así que apuesta por las actuaciones fuera para que "la gente venga a conocer Zaragoza, Aragón y España".

Para el bailarín, estar más de 10 días en el Principal (donde siempre llena) es "un placer", pero ya tiene preparadas otras galas. Del 30 de septiembre al 4 de octubre estarán en el Teatro de la Zarzuela, donde compartirán escenario con el Ballet Nacional o el de Nacho Duato "y eso algo dice". Como en "la Expo no nos hicieron mucho caso a nivel nacional", quizá ahora siga para les vean y viajen a Francia, Japón, Europa o EEUU porque para eso "es un espectáculo perfecto".

Fuente: elperiodicodearagon

Tamara Rojo y José Manuel Carreño en Coppélia

El Nuevo Teatro Nacional de Tokio estrenará mañana el ballet Coppélia con la coreografía del francés Roland Petit, en la que bailarán juntos los días 28 y 29 de junio la española Tamara Rojo y el cubano José Manuel Carreño.

El cubano abrirá mañana los seis días de espectáculo (del 26 al 31 de junio) con la bailarina japonesa Motojima Miwa, y en dos sesiones se subirá a las tablas con la española Tamara Rojo, algo que Carreño calificó en una entrevista con Efe como "un gran placer".

José Manuel Carreño, quien anunció el pasado 18 de junio su retirada oficial del American Ballet en 2011, permanecerá en Japón hasta el 12 de julio, cuando participará en una gala en la ciudad nipona de Nagano (centro de Japón).

Por su parte, la bailarina española del Royal Ballet de Londres, que visita el país asiático con gran frecuencia, recordó el aprecio que siente por Japón, "un país al que me encanta venir", afirmó.

Carreño recordó que aunque su compañía está en Nueva York y Tamara reside en Londres, "hemos bailado juntos en España, en Italia, en Cuba, aquí en Japón y siempre lo pasamos muy bien".

Durante dos semanas el bailarín aprovechará para impartir clases en distintos lugares de Japón, algo que acostumbra a hacer cuando visita el país, dadas las numerosas invitaciones que recibe de las compañías niponas.

Rojo destacó la importancia de compañías niponas como el Tokio Ballet o el National Ballet, además de otras privadas, y aseguró que en el país asiático "hay muchísimas más oportunidades" que en España.

La bailarina española se mostró esperanzada en que nazca una compañía de danza clásica en España y dijo que tras el cambio en el Ministerio de Cultura, "no se sabe si se empezará desde el principio otra vez, lo que sería una lástima y una pérdida de tiempo para todo el mundo".

Sobre Japón, Rojo recordó que "han invertido en cultura y en arte, pero no sólo en danza, en museos y en todo tipo de expresiones culturales. Todo esto arraigó y es un gran ejemplo de cómo se puede conseguir una tradición en 30 años".

Durante la entrevista, Rojo y Carreño coincidieron en su opinión sobre el público japonés, al que consideraron "muy culto" y gran conocedor del repertorio clásico y el nivel de los bailarines.

Sobre la crisis global y su repercusión sobre la danza, Carreño lamentó que "siempre la situación económica golpea mucho las artes", por lo que "indiscutiblemente lo sentimos también, a pesar de que bailamos para grandes compañías".

En el caso del American Ballet, "por suerte, la compañía no ha recortado en bailarines, pero sí por ejemplo en semanas de trabajo", confesó Carreño.

Fuente: telecinco.es

24 jun. 2009

Arte Jondo en la Galileo

Amig@s!! éste sábado 27 de junio os esperamos en el FESTIVAL FLAMENCO de "ARTE JONDO"
Sitio: Sala GALILEO GALILEI en la calle Galileo nº100, Madrid
Comienzo: 17:00h
Entradas a la venta en la puerta: 12€
Esta escuela amiga, con su directora Diana Thedim a la cabeza nos presenta un
 programa flamenco con música y cante en directo:

TANGOS, SOLEÁ, ALEGRÍAS, SIGUIRIYA y MARTINETE


Al baile: DIANA THEDIM y ALUMNOS DE ARTE JONDO entre los que están amigos de Por Alegría como las bailaoras Carmen Sánchez de Medina o Natalia Ramos.

Al Cante: JESUS EL ALMENDRO y JACOB QUIROS
A la Guitarra: JESUS LOSADA
Percusión: AMADOR LOSADA MONTOYA
Poesía: MERCEDES ROMERO
Fotógrafa Oficial Festival: PILAR MAURI

Por Alegría estará allí apoyando y disfrutando de este festival...

23 jun. 2009

La Compañía Nacional de Danza en el Kursaal


Fotografía: Paloma Novillo

La Compañía Nacional de Danza presenta hoy en el Kursaal un triple programa con coreografías del valenciano Nacho Duato. 'O Domina Nostra' , 'Gnawa' y el estreno de su nueva creación, 'Cobalto', una reflexión sobre el erotismo.La Compañía estará los días 23 y 24 de junio en el Auditorio del Kursaal a las 20.00 horas.

La periodista Iratxe de Arantzibia ha publicado ésta interesante entrevista a Nacho Duato en el Diario Vasco:

La enésima visita de la Compañía Nacional de Danza (CND) a los escenarios donostiarras viene a apaciguar los ánimos sobre el futuro de su director Nacho Duato. Tras muchos dimes y diretes, todo apunta a que el coreógrafo valenciano continuará al frente de la formación que lidera desde hace dos décadas y a la que ha dotado de prestigio internacional. Genio y figura, resulta innegable que la calidad de su trabajo coreográfico y su fuerte carisma han dotado de personalidad a la compañía errática que llegó a sus manos. Buena prueba de ello es el triple programa Cobalto, O Domina Nostra y Gnawa con el que recala la CND, en doble función, hoy y mañana, en el Auditorio del Kursaal.

- ¿De qué trata la obra Cobalto?
Es una reflexión sobre el erotismo. En la obra, aparecen cuatro hombres y cuatro mujeres que representan el erotismo carnal, y una pareja que representa el erotismo onírico. La música es de Pedro Alcalde y de Sergio Caballero. Es una pieza compuesta para un sólo instrumento: el órgano. La música fue grabada en la iglesia Collbató con un órgano Blancafort, por el organista Juan de la Rubia.
- ¿Cómo refleja el erotismo en la coreografía?
La danza de por sí es bastante sensual y erótica, luego entra en juego la imaginación de cada uno. Me interesaba el acercamiento a ese punto donde el erotismo se acerca a la pornografía, con unos límites y reglas que no he sobrepasado. Si el erotismo no es comedido, es otra cosa. Coreográficamente, es una pieza muy evocativa y sugerente.
- Cobalto es un color, ¿tiene algo que ver con el título de la obra?
No me quiero referir con el título al color. En español, hablamos de un chiste verde, a la pasión le ponemos el rojo y el azul es el color del inconsciente. Me gusta la palabra cobalto. El azul cobalto es de todos los colores, el de la historia del inconsciente. No en vano existe una película titulada Blue velvet (Terciopelo azul).

- Además presenta O Domina Nostra.
O Domina Nostra es una pieza dedicada a la Virgen Negra de Nuestra Señora de Jasna Gora (Polonia). Me gustaba mucho la música de Henryk Górecki y decidí crear una pieza sobre la partitura de O Domina Nostra, opus 55, para soprano y órgano, que es una meditación sobre esta imagen. En la obra, aparecen la Virgen y Jesucristo. No soy religioso, aunque sí muy espiritual. Me resultan muy interesantes estos personajes, también otros como Buda, Alá o Gandhi. Trato de bajar a la Virgen y ponerla en la tierra. Me la imagino pariendo en un establo.

- La actuación se cierra con Gnawa.
Creé esta obra para la Hubbard Street Dance de Chicago. Escogí dos fragmentos de Mediterranea y le añadí otras piezas con música del Sáhara. Gnawa es el nombre que reciben en el Magreb los miembros de una serie de cofradías místicas musulmanas caracterizadas por su origen subsahariano y por el uso de cantos y danzas como medios para llegar al trance. La obra es como una noche de fiesta en medio del Sáhara.

- ¿Se trata de una manera de reivindicar sus raíces mediterráneas?
No necesito reivindicar nada, porque lo siento muy mío. El ritmo del último ballet es el de la fiesta de los moros y cristianos de Alicante. Se trata de ritmos que proceden de Egipto. Me gusta el cruce de culturas que se da en el Mediterráneo. Todos pertenecemos al mismo mar y existe una hermandad en torno a él.

- ¿Qué sensaciones producirá en el público el programa completo?
El público sentirá tres cosas diferentes. Algunos verán mucho erotismo, para otros será demasiado. Mis ballets son bastante abstractos, aunque el público sepa que exista una línea explicativa general que se indica en el programa de mano. Me gusta crear coreografías con una incógnita para que el público extraiga su propia conclusión. Creo que la Compañía Nacional de Danza tiene una manera de trabajar cercana, que consigue que el público sienta lo que hace.

- Hay un Duato mediterráneo, otro más oscuro y uno social.
Yo diría más político. Hay una parte de mi trabajo en la que me preocupo por el racismo y los derechos humanos. En mis coreografías, siempre ha habido oscuridad y mucha luz. Obras como Arenal, Jardí tancat o Por vos muero tienen la presencia de la muerte pululando a su alrededor. Siempre, en primer plano, el ser humano, que puede con todo. Incluso en Herrumbre busco extraer la belleza y el lado esteticista a algo tan terrible como la tortura.

- ¿Cómo definiría a la CND?
La Compañía Nacional de Danza es una de las mejores compañías de contemporáneo del mundo. Se trata de una compañía con una personalidad propia y espero poder mantenerla ahí. En la CND 1, hay veintiocho bailarines, en la CND 2, dieciséis; en total, somos cien personas trabajando, contando con el equipo.

- ¿Es CND una compañía de autor?
No es una compañía de autor. De 114 ballets que tiene la CND en repertorio, más de la mitad son de coreógrafos invitados, mientras que sólo 41 son obras mías. En Madrid, pocas veces se elabora un programa sólo con obras mías.

- ¿Cómo es el bailarín que busca Nacho Duato para su compañía?
Un bailarín con técnica, ganas de bailar y dedicado a su profesión. Gente inteligente y que sean buenas personas. Existen muchos buenos bailarines en el mundo. Debe llevarse bien conmigo y con el resto de la compañía, aunque quizás haya personalidades que no encajen. Mis bailarines me son bastante fieles.

- Dos españoles han ganado el Benois de la Danse (Oscar de la Danza), ¿a qué se debe esa explosión de la danza española?
No es una gran explosión ganar un premio. No se puede medir por los premios el nivel de la danza. De vez en cuando, sale un bailarín superdotado. La salud de la danza en España está sana: hay nuevas compañías, buenos bailarines, festivales y más apoyos.

- Se habla de su futuro en la CND.
Tengo muchas cosas que hacer el año que viene con la CND: estrenos, giras... Vamos a Argentina, Chile, Uruguay, Canadá y Francia. Ya veremos qué pasa. Sólo quiero decir que la relación con el Ministerio es muy buena.

Kazuko Hirabayashi

Nació en Nagano, Japón. En 1957 cambió su residencia a Nueva York para estudiar danza contemporánea. Se graduó en la Escuela Julliard y bailó como profesional en la Compañía de Martha Graham. Tras diez años fructíferos, en 1967 fundó la aclamada Compañía de Danza Teatro Kazuko Hirabayashi, con giras por Europa y Estados Unidos.

En su trayectoria creativa tiene al menos 60 obras coreográficas y premios internacionales como el Nimura , el Doris Humphrey , en Coreografía; el otorgado por el Consejo Nacional para las Artes del Estado de Nueva York y el Chancellor de Nueva York, entre otros.

También destaca como una gran maestra de la danza moderna en las más prestigiadas escuelas de Europa y Japón. Sin embargo, ha concentrado su actividad docente en Estados Unidos en la Escuela Julliard, la Escuela de Martha Graham, el Centro Dancístico Alvin Ailey y la Universidad Estatal de Nueva York en Purchase, donde también es Decano.

21 jun. 2009

Tamara Rojo y Carlos Acosta en Cuba

La bailarina española Tamara Rojo estrenará en La Habana el próximo 17 de julio la coreografía Manon, junto al cubano Carlos Acosta, como integrantes de la compañía Royal Ballet de Londres, que por primera vez se presentará en la isla.

Manon, de Kenneth McMillan, "tiene una fuerza dramática indescriptible, que exige todo de la bailarina: técnica e interpretación", ha expresado Rojo en una entrevista para el periódico cubano Juventud Rebelde.

Confiesa que la experiencia de bailar con distintas compañías la han "enriquecido mucho" y con el Royal Ballet constituyó "la consecución de una meta".

La artista española reconoce que su paso por las compañías English National Ballet, el Ballet de la Opera de Niza, Scottish Ballet, el Ballet Nacional de Cuba, la Opera de Berlín y los nueve años que lleva en el Royal, le han permitido aprender "mucho, desde la profundidad interpretativa y la sobriedad estética del ballet británico hasta el júbilo brillante del cubano".

Asimismo lamenta que muchos bailarines españoles de danza clásica hayan tenido que salir fuera del país "por falta de oportunidades serias" y que "tampoco los que bailan estilos más modernos lo tienen fácil" allí.

Además explica que para ella "tan necesario como afianzarse en un estilo, hoy es conveniente tener buena capacidad de adaptación" y cree que el haber madurado como intérprete está ampliando sus perspectivas "como creadora".

Fuente: EFE

20 jun. 2009

Gira Mundial de la Compañía de Antonio Najarro


La COMPAÑÍA DE DANZA ANTONIO NAJARRO comienza su gran gira mundial hasta mediados del mes de septiembre con su exitoso espectáculo “JAZZING FLAMENCO”





Esta gira comenzará el 23 de Junio en Chipre donde la CAN (Cía. Antonio Najarro) visitará el prestigioso Anfiteatro Antiguo SALAMIS ANPITHEATRE.

Le seguirá la temporada, por segunda vez consecutiva, en el más importante Festival de Jazz del mundo: el INTERNATIONAL JAZZ FESTIVAL OF MONTREAL dentro de la celebración de su XXX aniversario, donde la compañía tieneprogramada 11 representaciones en el Théâtre NOUVEAU MONDE los días 30 deJunio y del 2 al 12 de Julio.

Tras su estancia en Montreal, la CAN actuará en los más prestigiososFestivales de verano de Francia, visitando varias de las Óperas y TeatrosRomanos más importantes del país:

20 de Julio, OPERA DE VICHY / FRANCIA
21 de Julio, TEATRO ANTIGUO DE VAISON / FRANCIA
22 de Julio, TEATRO JEAN DESCHAMPS DE CARCASSONNE / FRANCIA
24 de Julio, THEATRE DE VERDURE DE PEZENAS / FRANCIA
26 de Julio, TEATRO NACIONAL DE MONTAUBAN / FRANCIA
2 de Agosto, TEATRO DE LA CITADELLE DE SISTERON / FRANCIA

Asimismo, el espectáculo “JAZZING FLAMENCO” y “FLAMENCORIENTAL” serárepresentado en Bahrein los días 30 de Julio y 13 de Agosto respectivamenteen el TEATRO CULTURAL HALL y el 18 de Septiembre en el prestigioso Festivalde Nimes en Francia.



Tras esta gira, JAZZING FLAMENCO vuelve al Teatro de Madrid donde presentará 11 únicas representaciones los días 23, 24, 25, 26, 27, 29 y 30 de Septiembre, y los días 1, 2, 3 y 4 de Octubre.


No os lo podeis perder!

19 jun. 2009

Selene Muñóz


Hemos tenido el placer de conocer a Selene Muñoz, bailaora, bailarina y coreógrafa que con tan solo 20 años tiene una trayectoria profesional impresionante. Os contamos...
Selene Muñoz nació el 3 de diciembre 1988 en Mallorca, de padre español (sevillano) y madre danesa. El ambiente familiar en el que ha crecido ha tenido como eje principal la música.

1992-1995:

-Selene recibe clases de ballet clásico en la escuela "Anette Schaufuss" en Copenhague.

-En 1995 comienza sus estudios de flamenco.


1995-1998:

-Selene protagoniza uno de los papeles principales en la obra de teatro "Peters Jul" en copenhague.

-Trabaja durante unos años como modelo

(BBC Models)


1999:

-Interviene en varios programas de televisón, entre otros en la DR1"Børne1´eren", "Wonderkids" del 2002, "El Escenario es Tuyo" en el 2005 y "La Vida Flamenco" de Current TV en EE.UU en el 2008.


2000 a 2004:

-Selene baila en el festival de flamenco anual en Jazz House, Copenhague. Además, durante estos años es protagonista de espectáculos en Base Camp, en Plænen, el escenario principal del parque de atracciones copenhagués TIVOLI, y en el festival portuario anual.


Ha recibido clases de grandes artístas, entre otros: Antonio Canales, Goyo Montero, Belén Maya, Rafaela Carrasco, Domingo Ortega o Enrique Pantoja...

Ha compartido escenario con artístas como Miguel Poveda, "Chicuelo", Antonio Najarro, Chevi Muraday, Daniel Abreu...

A los 13 años empieza a dar clases y cursillos por Europa.


2004:

-Se traslada a Madrid para estudiar flamenco en la academia Amor de Dios.


2006:

-Selene gana el Premio Fotoescena a la mejor imagen escenica por su coreografía

"La Chaconera" (guitarrista : José Luis Montón, música : J.S. Bach ) en el "XV Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco" y fue seleccionada para ir al Festival Flamenco de Londres.

-Comienza sus estudios en el Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid.

-Actúa en el III Festival Flamenco de Parla "Los Almaizares" como bailaora sobresaliente.


2007 :

-Selene empieza a dar clases de flamenco en la Academia de Elena Andujar.

-Baila en el Festival de "Coreografias Premiadas" (Galicia)

-Actúa en el Festival de Flamenco de Londres en Sadler´s Wells.

-Selene gana el tercer premio de coreografía por su pieza "A donde vas, Amor" en el XVI Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco en el Teatro Albeníz.

-Durante este tiempo, Selene viaja por España con "TRÍO" (José Luis Montón y María Berasarte) y actúan en festivales importantes como "Musicalle" y "EUROPRIDE".


2008:

-Como artísta invitada junto al pianista y compositor Javier Coble en el Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco con la pieza "El Cisne Negro"

-Estrena su nuevo espectáculo "Con Los Cinco Sentidos" en Veranos de la Villa en Teatro Pradillo en el ciglo La Otra Mirada del Flamenco.


2009:

-Invitada para bailar en la Entrega de los Premios Nacionales de la Crítica "Flamenco Hoy" en Jerez.

Esta misma semana participaba junto a otros bailarines en el Desfile 'Vestidos para Bailar' organizado por el Certamen de Coreografía y Danza Española y por el Museo del Traje.




www.myspace.com/selenecoreografa
http://www.selenemunoz.com/

18 jun. 2009

Imágenes del Desfile 'Vestidos para Bailar'


El Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco junto con el Museo del Traje organizaron el pasado miércoles 'Vestidos para Bailar', un desfile de una selección de trajes que han pasado por el Certamen y que han marcado época por su impacto, riesgo y belleza.

Se trata de un desfile coreografiado donde los modelos son algunos de los bailarines que en su día participarón en el Certamen, como por ejemplo Selene Muñoz que desfiló con trajes maravillosos que utiliza en sus espectáculos y que están creados por su propia madre.

La dirección y coreografía es a cargo de Carlos Chamorro.

Todos los trajes del desfile estarán expuestos en la Sala B de los Teatros del Canal (C/Cea Bermudez nº 1,) desde el día 24 de Junio hasta el 27 de Junio.

Por Alegría estuvo disfrutando del evento, éstas son algunas imágenes del desfile:

Fotografía: Paloma Novillo

'V Años de Danza en la Villa. Conversaciones Virtuales'

La directora del Teatro Fernán Gómez, Mora Apreda, presentó hoy el libro conmemorativo del ciclo de Danza en la Villa, 'V Años de Danza en la Villa. Conversaciones Virtuales', acompañada de la periodista Julia Martín, el escritor Ian Gibson y Raúl Cárdenes.

'V Años de Danza en la Villa. Conversaciones Virtuales' incluye descripciones de los espectáculos presentados en este ciclo e imágenes de todos ellos desde el 2004 al 2008. En el libro se plasman los diferentes estilos y coreografías de las compañías nacionales e internacionales que han pasado por los escenarios del Teatro: Sala Guirau y la Plaza de Colón.

Flamenco, clásico, neoclásico, contemporáneo, nuevo tango... son solo algunos de los estilos que compañías como la de Joaquín Grilo, Nafas Dance, Gelabert/Azzopardi, Israel Galván, Goyo Montero o Chevi Muraday han ofrecido al público durante estos cinco años de Danza en la Villa.

EL CICLO

Este ciclo comenzó en el 2004. Al principio, los espectáculos solo se podían ver en la Sala Guirau, pero en el año 2005 se hizo el primer montaje en la Plaza de Colón con un espectáculo de Malucos Danza. Desde entonces este nuevo escenario se ha ido haciendo su hueco y cuenta ya con su público habitual.

El ciclo se ha ido completando con la serie de proyecciones que se presentan en la sala II y las distintas exposiciones de fotografía de fotógrafos profesionales de la danza que se exponen en el hall de la sala Guirau.

El libro hoy presentado esta compuesto por cinco apartados. El primero recoge información e imágenes de las compañías que han pasado durante estos cinco años por el Teatro Fernán Gómez; en el segundo Julia Martín presenta las reflexiones a las que llega a través de un breve cuestionario hecho a algunos de los creadores (de todos los estilos de baile); el tercero, coordinado por Raúl Cárdenes, muestra los ganadores de una selección de certámenes españoles e internacionales coreográficos y de intérpretes; en el cuarto, el escritor Ian Gibson relata brevemente la reacción que le provocan unas fotografías de danza, sin haber visto los espectáculos a los que corresponden; y el último apartado es un breve repaso por las otras actividades que completan el ciclo de Danza en la Villa.

Fuente: europapress

Ciclo 'In-Presentable 2009' en La Casa Encendida

Por septimo año el Ciclo In-Presentable vuelve a La Casa Encendida de Madrid desde hoy hasta el 28 de junio.

Desde su inicio In-Presentable ha propuesto una programación orientada a que haya una convivencia entre diferentes disciplinas artísticas que, sin perder su autonomía, puedan flexibilizar las fronteras que las separan, con la intención de encontrar puntos de conexión que les permitan expandirse.

Este año se convierte en una plataforma que reúne in situ a más de 30 artistas que practican distintas disciplinas. Diferentes eventos y formatos de actuación durante 12 días y 12 noches. Además de seis espectáculos, el programa incluye experimentos que reinventan los significados de interpretar, bailar, hacer coreografías, y la implicación del público.

El programa está concebido para desarrollarse en cuatro series:empezando con talleres por la mañana, continuando con trabajos en proceso por la tarde, experimentos y espectáculos hasta la noche.

Para conocer toda la programación pincha aquí
Venta de entradas en entradas.com

José Manuel Carreño Anuncia su Retirada en 2011

El bailarín cubano José Manuel Carreño anunció hoy su retirada del American Ballet Theatre (ABT), compañía con la que ha bailado ya quince temporadas y con la que seguirá otras dos más.
Es algo que "revelo por primera vez ahora", dijo Carreño en Tokio al término de uno de los ensayos de la obra Coppélia que estrenará en Japón el próximo 26 de junio junto a la española Tamara Rojo.

"Pienso hacer mi retiro oficial en el 2011 del American Ballet, así que me quedan dos temporadas", anunció el bailarín, que dio sus primeros pasos como profesional en la Escuela Nacional de Cuba, dirigida por Alicia Alonso.

Nacido en La Habana en 1968, Carreño bailó profesionalmente durante cuatro años en su país natal trabajó en Londres otros cuatro para después ingresar en el ABT de Nueva York.
Una vez deje el American Ballet, "pienso que me quedaré haciendo algunas cosas, pero ya serán obras más pequeñas, pienso retirarme un poquito de los grandes clásicos", explicó Carreño, quien no descarta en un futuro dedicarse a la enseñanza de la danza.
De hecho, desde hace tiempo aprovecha sus viajes a Japón para impartir clases en distintas academias, pues en su opinión este país "es el lugar donde un bailarín puede tener más fans", aseguró Carreño, en referencia al aprecio que muestran los japoneses por la danza.

Tras acabar sus actuaciones de Coppélia, dirigida en esta ocasión por el coreógrafo Roland Petit en el Nuevo Teatro Nacional de Tokio, el bailarín permanecerá en Japón dos semanas más para ofrecer el 12 de julio otro espectáculo en Nagoya, la cuarta ciudad más grande de Japón.

Carreño, designado en 1995 principal bailarín del American Ballet, ha interpretado a lo largo de su carrera diferentes papeles en obras como "Don Quijote", "Giselle" y el "Lago de los Cisnes", "Romeo y Julieta" y "La Bella Durmiente", entre otras.
Galardonado con numerosos premios en EEUU, Carreño se mostró agradecido de continuar bailando actualmente, ya que es "lo que más placer" aporta a su vida, confesó.

Fuente: EFE

17 jun. 2009

Beethoven por el Ballet de Victor Ullate en Madrid


El Ballet de Victor Ullate reestrenará mañana Beethoven en el Teatro Compac Gran Vía de Madrid. La obra estará en cartel hasta el 5 de Julio, dentro del marco de Veranos de la Villa.
Se trata de un programa creado para celebrar el XX Aniversario de la Compañía además de un homenaje al fallecido maestro de Ullate, Maurice Béjart, y a su amiga Ángela del Moral, también fallecida.

El espectáculo está compuesto por dos coreografías. La primera llega de la mano de Eduardo Lao, bajo el título '3', según Ullate una pieza muy intimista. Lao ha querido plasmar en la obra las diferentes facetas de una relación entre tres personas (representadas en tres instrumentos, el chelo, el piano y el violín), tanto de amor o de amistad, como de cualquier tipo. Todo será mecido por 'El Claro de Luna' (la sonata 14) y las sonatas número 5 y 2 del compositor alemán.

La segunda coreografía y pieza principal del programa es 'La Pastoral', en torno a las notas de 'La Pastoral' (sinfonía número 6) de Beethoven. Los elementos que adornan la obra son la naturaleza, el campo, el frío, el calor, el viento y la fuerza de los elementos.

Ullate quiere contar la historia de la vida, desde la infancia y su ilusión hasta la madurez y sabiduría de la vejez y para eso es necesario no sólo los movimientos perfectos de los bailarines, sino también su interpretación.

La escenografía ha sido creada por Paco Azorín (que cuenta con un espejo en el techo, donde se puede ver detalles de la evolución de los intérpretes). La iluminación de Nicolás Fischtel y el estuario de Ikerne Giménez.

Victor Ullate adelantó también que está preparando el espectáculo 'Wonderland', sobre el universo de la psiquiatría. Su fecha de estreno está prevista para enero de 2010, en los Teatros del Canal. El mismo espacio acogerá a finales de septiembre '2 you maestro', obra con la que fue homenajeado por Eduardo Lao el pasado diciembre en el Teatro Real de Madrid.
Fotografía: Paloma Novillo



LUGAR:
Teatro Compac Gran Via del 18 al 5 de julio
HORARIOS:
- De martes a viernes a las 20:30h
- Sábados a las 19:30 y a las 22:30h
- Domingos a las 19:30h
- Lunes descanso
ENTRADAS:
Precio entre 18 y 36 euros.
Precio reducido de martes a jueves.

Amador Rojas presenta Kahlo Caló en Madrid


Amador Rojas presenta Kahlo Caló los días 17 y 18 de Junio en la en la Sala Guirau del Teatro Fernan Gómez de Madrid dentro del ciclo de Danza en la Villa.

Kahlo Caló es un montaje que se hace quejío y bulería, se viste de tanguillos y soleares, se cubre de alegrías y flamenco. Pone sobre el escenario una versión sorprendente y hasta ahora inédita de la genial y descarnada pintora mexicana Frida Kahlo a los cien años de su nacimiento.

Dirigida por Rafael Estévez y con Amador Rojas como principal bailaor, Kahlo Caló se presenta como un homenaje a la mujer que se preño de valor para ser diferente.

HORARIO: Miércoles 17 y jueves 18 de junio a las 21:00 horas
LUGAR: Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte - Sala Guirau.
DURACIÓN: 105 minutos
Fotografía: Paloma Novillo

XVIII Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco


El Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco es una plataforma de exhibición y concurso de obras coreográficas nuevas, que se celebra anualmente en Madrid. Despues de haberse realizado durante 17 ediciones en el Teatro Albéniz, comienza este año una nueva etapa trasladandose a los nuevos Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid durante los días 25, 26 y 27 de junio de 2009 a las 20:30h.

El Certamen se estableció en 1992 con la intención de ofrecer incentivos a un emergente movimiento de nueva creación, en el género de la nueva danza española. El Certamen promueve también la colaboración entre compositores y coreógrafos, e incentiva el alto nivel técnico y artístico de bailarines e intérpretes.

El Certamen ha contribuido a afianzar el movimiento del nuevo ballet flamenco, otorgando el reconocimiento y prestigio a jóvenes coreógrafos que han arriesgado en líneas de enriquecimiento y fusión de la danza española. También se han premiado iniciativas de recuperación e investigación de formas tradicionales, como el nuevo folklore y/o la Escuela Bolera.

Entre cinco y ocho coreografías se presentarán cada día ante el jurado y el público. Después de la función del día 26 de junio se anunciarán los finalistas. El jurado seleccionará entre seis y ocho coreografías que se presentarán nuevamente el día 27 que es la final. Después de la deliberación del jurado se efectuará la entrega de premios en el escenario del teatro.

El día de la final actuará la Compañía Invitada Malucos Danza dirigida por Carlos Chamorro.

Para dare un mayor impulso al Certamen éste año se han creado nuevas y variadas actividades:

- DESFILE 'VESTIDOS PARA BAILAR'
El miércoles día 17 de junio a las 20h en el Museo del Traje
Desfile de una selección de trajes que han pasado por el Certamen y que han marcado época por su impacto, riesgo y belleza.

- EXPOSICIÓN 'VESTIDOS PARA BAILAR'
Del día 24 al 27 de junio en la Sala B de los Teatros el Canal (exposición abierta al público del Certamen)
Exposición de los trajes que participan en el desfile del Museo del Traje del día 17.

- ENCUENTRO 'VESTIDOS PARA BAILAR'
El jueves día 25 de junio a las 17h en los Teatros del Canal
Diseñadores de vestuario de danza y coreógrafos se reunen, con el objetivo de compartir y complementar los diversos procesos de creación y profundizar en los vínculos entre la danza y el escenario con el vestuario y el traje.

- FLAMENCOS CON CLASE
El miércoles día 24 de junio de20 a 22h en la Terraza Bar de los Teatros del Canal
Una clase abierta de baile flamenco para todo el público que quiera acudir, dirigida por coreógrafos del certamen. A continuación, habrá una fiesta flamenca con la intervención de músicos invitados y espontaneos que se atrevan a participar bailando, cantando o tocando un instrumento.

Os dejamos un video resumen del Certamen del año pasado:




15 jun. 2009

Homenaje a Nacho Duato en República Checa

El bailarín y coreógrafo valenciano Nacho Duato, director artístico de la Compañía Nacional de Danza (CND), recibió hoy en la capital checa un homenaje del International Television Festival Golden Prague (ITF).

"Para mi, tras estos veinte años (al frente de la CND), es un honor", declaró Duato poco antes de este reconocimiento, que tuvo lugar en el Palacio Zofin.

Sobre su continuidad al frente de la CND, que encabeza desde hace dos décadas, Duato afirmó: "el año que viene no paro. Tengo contrato hasta junio de 2010, y es prorrogable".

El artista, que saludó el "buen clima" que reina con la actual ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, lamentó sin embargo la falta de presupuesto para grabar coreografías y danzas para televisión.

En cuanto al homenaje de los checos, para el valenciano reviste un sabor especial.
"Me gusta porque llevo diez años trabajando con Jiri Kilian, que es checoslovaco, el mejor coreógrafo del mundo ahora mismo, el que más me gusta. Tengo muchos trabajos de él", aseguró.

"Empecé con él coreografías, teniendo muchísimo que ver en mi formación como bailarín y como coreógrafo", recordó Duato acerca del director del Nederlands Dans Theater.

La última vez que Duato actuó en Praga fue en 1982 con partituras de Bohuslav Martinu, Leos Janacek e Igor Stravinsky, y acompañando a su padre artístico, que había vuelto a Praga por primera vez tras su exilio, lo que resultó "un poco fuerte para los comunistas", reconoció el valenciano.

"Me acuerdo de Checoslovaquia en 1982 y no tienen nada que ver. Echo de menos esa ciudad sin turistas, pero es la globalización", señaló asimismo.

El ITF, creado en 1964 por el ente público de la Televisión Checa, es uno de los más importantes festivales dedicados a la música y la danza en formato televisivo, sólo superado en antigüedad por el Prix Italia (1949) y los festivales de Monte Carlo y Montreux (1961).

Otros dos homenajeados en el certamen praguense han sido el estadounidense Jerome Robins, fallecido hace una década, y el británico Barrie Gavin.

Fuente: EFE

13 jun. 2009

West Side Story Abrirá los Veranos de la Villa

El musical ‘West Side Story’, del director y coreógrafo norteamericano Joe McKneely, abrirá el próximo 25 de junio la nueva edición del festival Los Veranos de la Villa, y se representará cada noche hasta el 5 de julio.En "Por Alegría" somos fan de los musicales de Broadway y como no de esta comedia musical, mundialmente representada en distintas versiones e idiomas, que se estrenaba por primera vez en teatro el 26 de septiembre de 1957, en el mítico Winter Garden Theatre de Nueva York, de la mano de Jerome Robbins. 732 representaciones le siguieron a aquel 26 de septiembre antes de comenzar el tour por las principales capitales del mundo.50 años después, en el 2007, y con motivo del aniversario de su estreno en Broadway, el director de escena Joe McKneely (que trabajó con Jerome Robbins) decidió volver a ella, intentando recuperar el montaje original de Robbins para Broadway. Con la misma puesta en escena e idénticas coreografías podremos disfrutar de una versión fiel al original de Broadway, una demostración de que la obra hoy en día no ha perdido ni un ápice de su actualidad. Lo que vais a ver en Madrid es parte del tour 50 aniversario que se estrenó en Tokyo, siguió en París y triunfó de nuevo en Nueva York y Londres (nada menos que en el Sadler´s). No dejéis de disfrutar de esta joya en los Veranos de la Villa!

Pero si aun no estáis decididos os contamos un poco más de historia...
EN TEATRO...
En 1949, el entonces ya reputado coreógrafo norteamericano, Jerome Robbins, tuvo la idea de montar un musical que tomara la historia de Romeo y Julieta de Shakespeare, ambientándola en el Nueva York del momento. Así se lo comentó al compositor Leonard Bernstein y al escritor Arthur Laurents, quienes entusiasmados con la idea se pusieron a trabajar en una adaptación que se llamaría East Side Story y tendría como escenario el Lower East Side, conocido como el Village. En esta adaptación los Montescos serían católicos y los Capuleto serían judíos, para reflejar los problemas sociales del momento. Pero durante 6 años tuvieron que atender otros compromisos y al retomar la obra se dieron cuenta que el tema había perdido relevancia social y reconvirtieron a católicos y judíos en bandas callejeras de latinos puertorriqueños y americanos anglosajones que en aquel momento, años 50, rivalizaban en la parte Oeste de la ciudad.
Nacieron así los Jets (norteamericanos nativos) y los Sharks (inmigrantes puertorriqueños), los nuevos Montescos y Capuletos, de esta versión canalla de la obra más conocida de Shakespeare, en la que Julieta se trasmuta en María, una bella puertorriqueña, que se enamora perdida y trágicamente de Tony, americano de procedencia Polaca, ex-cabecilla de los Jets que ahora lidera Riff.El dramaturgo Arthur Laurents se encargó de adaptar los versos de Shakespeare al lenguaje de la calle, y los compositores Leonard Bernstein y Stephen Sondheim los envolvieron con música y canciones. La primera escaramuza pandillera, el baile en la azotea y temas míticos como María, América, Tonight y I Feel Pretty forman parte de la historia del musical.
EN CINE...
En 1961 se estrena la versión cinematográfica dirigida por Robert Wise y el propio Jerome Robbins (Coreografía) y producida por Metro-Goldwyn-Mayer. El guión lo firmó Ernest Lehman, pero fueron las coreografías de Jerome Robbins las que lograron seducir las miradas de millones de espectadores. La adaptación del musical al cine fue magistral y consiguió ganar diez Óscar solo por detrás de los once Óscar que han conseguido "Ben Hur" 1959, "Titanic" 1997 o el "Señor de los Anillos" (El Retorno del Rey) 2003. Los diez Óscar de "West Side Story" fueron: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto (George Chakiris), Mejor Actriz de Reparto (Rita Moreno), Mejor Dirección artística, Mejor Música, Mejor Fotografía, Mejor Sonido, Mejor Vestuario, y Mejor Montaje, y fue nominada al Mejor Guión Adaptado. Los actores protagonistas de la película fueron Natalie Wood y Richard Beymer, que fueron doblados en sus canciones por otras voces.

SOBRE SU MÚSICA...
La partitura de West Side Story fue orquestada por el propio
Bernstein, con la ayuda de Sid Ramin e Irwin Kostal. El número de músicos requerido para una interpretación apropiada de la pieza está entre los más altos del repertorio de teatro musical. La partitura necesita de cinco instrumentistas de viento-madera (cada uno encargado de varios instrumentos), siete metales, cinco percusionistas, un teclista, un guitarrista y doce instrumentistas de cuerda. En total, son necesarios 30 músicos para interpretar la partitura tal cual fue escrita por el compositor. Sus canciones: A boy like that, America, Cool, Gee, Officer Krumke, I feel pretty, Maria, One hand, one heart, Quintet, Somethings Coming, Somewhere, Tonight.

No os lo perdáis!! os dejamos toda la info de los Veranos de la Villa 
aquí
ENTRADAS en entradas.com

Aquí va un regalito...